VetriLuce

Nasce architetto per diventare un «artigiano contemporaneo», così si definisce Peppino Campanella. Comincia dallo studio degli ambienti, ridisegna gli spazi. Un’amica libraia di Cisternino gli aveva chiesto di arredare la sua libreria: così tra un’insegna e uno scaffale da posizionare, studia la luce e realizza gli oggetti d’arredo. Oggetti semplici, vetri incollati con silicone, pannellature di legno, materiali di scarto che transfigurano lo spazio, si accendono di luce.
Una volta l’amico poeta Guido Lepori gli aveva chiesto “per gioco” di realizzare per lui un lampadario con ciò che aveva a disposizione: qualche sasso, legnetti e vetri raccolti sulla battigia di roccia della sua Polignano, lavorati dal mare, dal sole e dalla salsedine.
«Per i primi lavori usavo molto la pietra. Quando ero sui cantieri da architetto, mi confondevo con i muratori, spaccavo e rilavoravo anche pezzi di marciapiede: ne uscivo bianco di polvere ma con la “febbre” di maneggiare la materia». Così, con l’incoraggiamento degli amici, vuole organizzare una mostra: Peppino mira al «centro» – è questo il consiglio che dà anche ai giovani che fanno questo mestiere. Nel 1996 si trasferisce nella Ville Lumière – la città delle luci appunto – con l’idea di fare una mostra. Comincia a frequentare e mostrare i suoi lavori ad atelier e gallerie d’arte: addirittura una gentile addetta del Ministero della Cultura fornisce una lista dettagliatissima di tutti i negozi e le gallerie del centro con possibilità di fare domanda per una “residenza d’artista”. Ma Parigi diventa come il «purgatorio» – ricorda Campanella: “I galleristi mi dicevano che erano oggetti di design e i designer mi dicevano che erano pezzi da galleria. Ho capito che dovevo elaborare una mia idea d’arte”. Così dirige la sua attenzione sull’altra capitale del design, Milano. Le riviste d’arredamento servono per prendere gli indirizzi – in mancanza di Google – e con il bagagliaio pieno di opere nella macchina, da buon uomo del Sud, si presenta di fronte ai negozi e alle gallerie di Milano. Un giorno Teresa Ginori di Eclectica offre un consiglio prezioso: «I miei lavori erano apprezzatissimi ma mancavano di funzionalità. Anche la sciura Pina doveva poter “cambiare” la lampadina senza chiamare un elettricista». In occasione di uno di questi viaggi a Milano con un amico Dj organizza un aperitivo “d’arte” in un bellissimo loft del centro.
Un amico dei tempi dell’Università, braccio destro di una delle Maison più famose di moda, compra una delle sue opere e così comincia a vendere in tutto il mondo. «A quel tempo lavoravo con vetri di scarto di murano, conchiglie, legni del mare ma mi accorgevo di imitare inconsapevolmente lampade d’autore che già esistevano, così andai alla ricerca di una mia linea espressiva sperimentando». Rompendo alcuni pezzi di vetro industriale, Campanella crea la prima linea di vetri taglienti, Lampade a piede libero, cocci aguzzi con vetri poveri. Cerca di intervenire nel rompere il vetro ad arte, non più accidentalmente, proprio per evitare spreco. «Mi ispirarono i “paretari” dei muretti a secco della sua Puglia per poi scoprire che così lavoravano la pietra anche gli uomini del Neolitico quando scheggiavano le selci». Pietra e vetro si impongono come elementi della sua forma d’arte, ma una sopravvive e s’impone. Solo vetro comune all’inizio, verdolino, perché richiamava la profondità del suo mare Adriatico: piccoli prismi, quarti di lente, aguzzi e taglienti ma con la potenzialità di rifrangere la luce. Queste schegge rendono morbida avvolgente la luce soprattutto adesso, dopo le lampadine a tungsteno, con il led che moltiplica l’effetto
brillantezza, senza accecare, sono un fascio di luce sensuale.
Ad esempio il Sole, il Fiore, gli animali come la Farfalla, nascono anche da errori con la fusione del vetro in cui dentro si posiziona la luce, giocando con le sproporzioni anche tra le parti. “Quando un artigiano fa un lavoro, deve caratterizzarlo con uno stile”.
L’incontro con Toni Belfatto è la consacrazione di un esercizio di stile. «Il segreto sta nel “togliere” diceva il mio professore d’Architettura, Giovanni Klaus Koenig, minimalizzare e razionalizzare è il mio futuro evolutivo» – giura Peppino Campanella. Ma alle opere suggerite dagli schizzi di Toni Belfatto, Campanella, invece, aggiunge l’estro dei suoi materiali che vivono “lussuosamente” nel suo laboratorio casa-studio, ex frantoio, a strapiombo sul mare, dove Toni ha chiesto di dare corpo e materia al suo concept. La serie VetriLuce abbandona metalli, pietra, legno per assecondare gli schizzi del dermopigmentista e farsi scultura di luce: «Ho dovuto prima capire il suo lavoro per reinventare il suo messaggio. I due seni dovevano essere attraenti, riconoscibili, stupendi, ma “feriti”, lacerati da una cicatrice: ecco allora che i vetri aguzzi erano la materia più indicata per diventare arma di seduzione. Ho lavorato quindi sui dettagli, le sfumature di colore, il contrasto bianco/nero, soprattutto per la tricopigmentazione per rendere i punti luminosi ed evidenti e perché non si perdesse l’idea originaria del disegno di Toni Belfatto». Labbra e cuore sono stati più naturali: sono nati per «un’ esplosione di rosso» come colore primario, accompagnato dagli altri colori della dermopigmentazione (il bianco, il giallo e il nero), sempre rispettando la luce perché non sembrasse artificiale così che il giallo è diventato più oro. Come l’oro dei palchetti e dei palcoscenici dei teatri che le opere di Campanella hanno impreziosito – un campo di applicazione che affascina l’artista è proprio la scenografia teatrale – si stanno studiando soluzioni per alleggerire le strutture delle luci perché devono essere esportabili e trasportabili. Il vetro, dunque, resta indiscutibilmente l’elemento principe della collezione realizzata per Toni Belfatto in nome di una ricerca lunga nel tempo e una messa in scena d’opera in cui l’Arte dialoga con la Bellezza. Sipario.

AnimeFragili

La corrispondenza artistica di Anastasia Campanella con Toni Belfatto nasce nel 2020, durante l’anno della pandemia. Nel 2021 realizza quattro opere attraverso cui recepisce e restituisce la sua idea artistica ispirata al lavoro di Toni. «In un anno dove gli esseri umani venivano tutti colpiti da una tragedia, mi si chiedeva di rappresentare su tela quel che ho interpretato essere la “sofferenza” di chi si rivolge a Toni».
Anastasia o Titti, come la chiama chi le vuole bene, si sente una donna libera, sin da bambina. Sceglie il corso di scenografia dell’Accademia di Bari, perché la «decorazione e la pittura sembravano troppo soggettive, avevo bisogno di ordine ed armonia e poi c’erano già in casa un fratello artista e un papà creativo. Con Peppino ho lavorato 6 anni: è stato un crescere insieme e ho imparato che per fare l’artista bisogna avere orari, scadenze, pazienza, determinazione nel lavoro di squadra di un laboratorio, soprattutto per una donna». Ha imparato a tagliare il vetro e poi ha lavorato sul colore, creando arabeschi che avevano bisogno di ore ed ore di precisione infinita. Poi, quasi da autodidatta, ha sperimentato la tecnica della vetrofusione, cominciando da oggetti di uso comune, piatti, bottiglie, centrotavola, oggetti semplici ma che avevano bisogno di tanto lavoro di preparazione. Il filo di rame e il filo di ferro sono l’essenza del suo linguaggio. Da cuore a cuore è il filo che lega lei al suo committente, una corrispondenza d’amorosi sensi, come ai tempi di Decò. «Gli ordini e le richieste dei miei clienti sono stati la spinta a lavorare fino alla morte di mio padre». Un periodo buio in cui Anastasia sente il vuoto dentro. «Sono andata a vivere in campagna, isolandomi dal mondo, perché avevo bisogno di ricostruirmi». Fino al 2015, quando Titti comincia a realizzare le creazioni “sospese”, togliendo i ganci che ancoravano le opere al muro – sempre nel rispetto dell’utilità degli oggetti – e cercando «supporto in supporti diversi», come le tele grezze, le famose “tamburrate” della tradizione e del folklore pugliese, di iuta, tessuto, stoffa, che andavano rilavorate, riammorbidite dal colore, pigmentate con acqua marina, perché dovevano ospitare sua maestà il Vetro. Lo spazio bidimensionale della tela è lavorata imprimendo o inglobando dei merletti ovvero il supporto sul quale viene fissato il lavoro in vetro, precedentemente decorato e successivamente vetrofuso. Un vetro azzurrato come il mare a perdifiato che si arrampica sulle rocce della sua Polignano, anche lui pigmentato d’acqua di quel mare, il quale dovrà stare tre giorni nel forno ad 800°, tra preparazione, cottura e raffreddamento. E poi la lavorazione certosina, un merletto sul merletto, un ricamo di filo zincato che nella cottura annerisce oppure un filo di rame che brunisce e rilascia quella patina ambrata. La tela rimane negli anni e fa da sfondo ai vetri di Anastasia Campanella: all’inizio la tela era neutra poi ha trovato o ritrovato gli arabeschi dei merletti che si impregnano di pittura, devono ingessarsi, mentre «la mia matita è il filo di ferro».
«Queste di Toni sono opere singole e ognuna ha un’anima diversa. Poi, “rileggendole” alla fine, scopri che compongono un’opera unica per linee, simmetrie, forme, colori». I vetri sono due e sono posizionati ora in verticale ora in orizzontale; le trame dei merletti non sono state scelte a caso, sono due e si ripetono: ciò che fa la più marcata differenza è il disegno in fil di ferro, il cuore che va al cuore. Nella prima l’occhio e il labbro di Picasso sono una “licenza poetica e affettiva”: il richiamo al periodo cubista è evidente ma il mio tocco sta in quel cuoricino, vorrei che fosse un neo», la bellezza dell’imperfezione.

Nel seno e nella tricopigmentazione la fa da padrone il cerchio: tutti sappiamo che la testa è un ovale «ma la disegniamo come un cerchio», come i bambini. L’inestetismo segna un’ asimmetria – ma cogliendo un suggerimento di Toni stesso – una «asimmetria bella da vedere». Infine, è il «cuore di mamma» a dominare la scena artistica, forse l’opera più difficile per realizzazione. Una linea continua di un unico fil di ferro che non si stacca mai, come il legame tra madre e figlio, il cordone ombelicale che non si spezza e non si interrompe, oltre la vita e oltre la morte.
«Sono davvero onorata di aver fatto parte di questo progetto di Toni Belfatto e sono ad oggi soddisfatta dei miei lavori, ce li ho qui a casa, sulle mie pareti perché mi sono dovuta immedesimare nel dolore di chi deve ricorrere al trattamento estetico per ritrovare una propria identità, quando lo specchio non ci restituisce l’immagine che volevamo o avevamo un tempo. Nel paramedicale, ad esempio, il seno per una donna rappresenta la sua parte femminile più sensuale e più animale, da cui passa vita e nutrimento.
Dopo il dolore di un’asportazione resta una cicatrice a ricordarlo». È così che ci si focalizza su uno degli elementi della matita di fil di ferro di Titti Campanella: il tratto a zigzag è il simbolo della cicatrice, che segna e rimane, «poi Toni la cancella e ne fa un tatuaggio nel cuore», un ricordo indelebile.
Questo per dire che «il vetro è femmina» – giura Titti Campanella. Basta distrarsi un attimo che ti taglia perché vuole e ha bisogno di continue attenzioni». Tagliente e fragile il vetro, ma allo stesso tempo desideroso di attenzioni continue e resistente alle intemperie del tempo, come solo una donna sa essere, come Titti dimostra con le sue anime fragili, opere di vetro fuso che raccontano storie e ricami di vita.

Oniricolor

L’utilizzo a schizzo di colori fluo e fosforescenti accende gli angoli bui, i dettagli scuri, le costruzioni grigie, illumina notti insonni. Le forme indefinite, trasparenti e senza struttura, si alternano a volti e ritratti luminosi per empatia: occhi trasognati, labbra rosso fuoco e chiome fluenti cedono la nettezza del tratto nell’altra metà della tela, quando i colori si sciolgono, le tempere si slavano, proiettando lacrime, sudore e sangue come possibili umori dell’altra faccia.
La pittura di Scutece non ha sovrastrutture, nonostante un sentimento anarchico e anticonformista di denuncia sociale, non insegue parole di rivendicazioni e verbosi manifesti; aliena da ogni sentimento di odio, rancore o rivalsa, dopo il processo catartico che vive nell’animo dell’artista, l’opera – progettata su diversi bozzetti – presenta una pulizia di forme che sbalordisce, come una regressione in uno stato di pre-coscienza infantile. La performance artistica diventa allora gioco d’infanzia, libero e senza schemi, lontano anni luce da qualsiasi imposizione; prende forma e vive autonomamente, consegnando all’opera una genuinità rara, una purezza originale. Materiali diversi – acrilico su tela con legno, iuta, stoffa – assecondano il tratto di Scutece che ha trovato una sua linea autentica, senza mistificazioni.
Una retrospettiva antologica sull’artista di Alessandro Obino non a caso si intitola “E finalmente torno ad essere quello che avrei voluto sempre essere” (ExagogicArt, 2015): un espressionista nudo e crudo, senza complicate simbologie, in cui l’emozione prevale sulla ricerca, il sentimento sulla raffinatezza tecnica. Le immagini prendono vita e si autoesaltano nello spazio di fondo sempre in una nebbia di colori neutri che tracciano limiti indefiniti, contorni frastagliati.
Il colore, nei sogni di Scutece, è lo sforzo della materia di farsi luce. E, tra sogno e realtà, tratti decisi e tratti solo appena accennati, si muove la collezione delle quattro tele che trasportano la DermoArt nella dimensione del sogno, di ciò che resta senza contorni definiti al mattino quando gli occhi si riaprono sul mondo reale.
Ejzenstejn ci ha insegnato la potenza rappresentativa e simbolica di un tracciato cromatico per raccontare una storia: i colori di Scutece si inseguono per diventare narrazione, per parlarci di Maia, la dea del risveglio primaverile; per superare il dolore della Venere ferita; per illuminare le teste ingrigite dal conformismo; per farsi suono nel grido di luce di un cuore nuovo.

Maia é risveglio, rigenerazione, albore primaverile; Maia é rinascita. Dal disfacimento di colore nasce a nuova vita, fissando nello sguardo azzurro l’anelito che le restituisce forza e vigore, pronunciando parole rosso vivo che parlano di coraggio e fermezza. Maia è la donna che si prende cura della donna, è il dolore che si trasforma in luce, che sa vagare e sostare, che conduce e illumina, che è tutt’uno con le stelle.
Da divinità a costellazione il passaggio è breve, se il passo è quello che lascia il segno, che si inscrive nella memoria per sempre. Ridisegnando il suo profilo di donna per la collezione DermoArt di Toni Belfatto, Scutece asseconda l’idea che la bellezza della donna, riflesso dell’anima, nasce nello sguardo e insegna al mondo un nuovo guardare.
Come si misura il dolore? Quanto tempo impiega una ferita a rimarginarsi? Si passa un’intera vita a cucire e ricucire le lacerazioni fino a quando gli strappi di ogni esistenza si cicatrizzano: in bilico su una fune o ai margini di un pendio la Venere ferita di Scutece porta i segni del tempo scanditi dal dolore.
La scelta stilistica e concettuale di Venus Vulnus è quella di ricomporre ciò che è stato smembrato perché la nascita di ogni Venere è rinnovamento, acquista sostanza e intensità se si portano con sé le ferite inferte. Una Venere che porta con fierezza e grazia le cicatrici del proprio passato, che si lascia vincere da un amore puro e confortante. I colori sulla tela si rincorrono sullo sfondo, in un’atmosfera senza tempo e senza spazio, sospesa nell’immensità. Il corpo delle donne ha qualcosa di sacro ed inviolato, va mostrato con vanto, sempre e comunque.

Le teste non pensanti dei Triconomisti di Scutece si disperdono tra routine quotidiana, falsi impegni e sterile raziocinio in un atto di denuncia aperta: le logiche del profitto dominano per ottenere il massimo vantaggio dal minimo sacrificio. Le grigie esistenze di manichini incravattati partecipano ad un gioco di rimandi seriali, con il rischio di un appiattimento definitivo se la scelta è quella della sottomissione a leggi che allontanano l’uomo dalla sua umanità. Ma punti di colore segnano la differenza, danno respiro e lasciano varchi di esistenze possibili; marcano le distanze da un conformismo spietato ed abietto, creano fessure di luce che squarciano il più coriaceo dei sistemi.

In Black heart scream il colore si fonde con un grido che ha la voce della liberazione, dell’affermazione di sé, della voce fuori dal coro. Si può gridare in silenzio, immaginandosi ognuno forza e intensità del timbro, della propria sofferenza e della successiva voglia di riscatto. Il cuore grida contro ogni nefandezza, grida la disperazione, grida la forza e la voglia di andare avanti, saturando di pigmenti, con pennellate energiche e travolgenti, il mondo circostante. Suono e luce per urlare se stessi, le proprie emozioni, la trepidazione commossa e pungente di chi si immola per tatuare un grido nell’infinito.

Umane Impressioni

La luce che governa e regola il mondo; prospettive di sguardo che giocano con ombre, riflessi e rifrazioni; pose di forme e oggetti su icone di colore. Tutto ciò fa parte del mondo di Luciano D’Angelo. La fotografia diventa arte del racconto-immagine quando ha come obiettivo la cattura del moment of life, il momento per elezione che non dipende né dal fotografo, né dal soggetto ritratto ma da una speciale armonia aurea che si crea in quel preciso, puntuale momento.
Umane impressioni è una collezione di questi momenti speciali che racconta la straordinarietà di alcune situazioni: la bellezza dipinta in un volto, in un pensiero nascosto che lascia intuire, intravedere, intellegere, cioè leggere tra le righe. La serie di quattro ritratti appunto emanano serenità, forza, affetto, coraggio al primo impatto: prime sensazioni che trapelano dalla luce studiata di D’Angelo in queste maschere di circostanza. Ma, come spesso accade, dietro i volti si nascondono le vite trascorse, i dolori sopiti, le sofferenze sepolte. Ognuno di noi sa rivelare quel tratto di aura che ci attraversa e sa nascondere l’angolo buio che solo opportunamente illuminato riesce a riemergere. Il racconto delle vite dei pazienti di Toni Belfatto ha trovato la forza di riemergere proprio qui, illuminando il momento, il moment of life.

I critici d’arte riconoscevano ai quadri del maestro fiammingo Vermeer delle speciali qualità di luce nello sviluppo creativo: “Ciò che mi affascina – spiegava Claudel – è quello sguardo puro, spoglio, asettico, ripulito da ogni traccia materiale, d’un candore quasi matematico o angelico, diciamo pure semplicemente fotografico. Ma che fotografia! Il pittore, isolato entro la sua lente, capta il mondo esterno. Il risultato è paragonabile alle prime apparizioni sulla lastra del dagherrotipo disegnate da una mano sicura: vale a dire dai raggi del sole”.

Nella fotografia la tecnica e la tecnologia contano fino ad un certo punto, “quello che non s ’impara è il senso della luce” – diceva Nadar, grande fotografo parigino di metà Ottocento – è la valutazione artistica degli effetti prodotti dalle luci diverse e combinate, è l’applicazione di questi o quegli effetti a seconda del tipo delle fisionomie che tu artista devi riprodurre. Quello che s’impara ancora meno, è l’intelligenza morale del tuo soggetto, è quell’intuizione che ti mette in comunione col modello, te lo fa giudicare, ti guida verso le sue abitudini, le sue idee, il suo carattere, e ti permette di ottenere, non già, banalmente e a caso, una riproduzione plastica qualsiasi, alla portata dell’ultimo inserviente di laboratorio, bensì la somiglianza più familiare e più favorevole, la somiglianza intima. E il lato psicologico della fotografia, la parola non mi sembra troppo ambiziosa”.

“I libri sono davvero come figli – dichiara D’Angelo – hanno una gestazione lunga, non nascono in due mesi; hanno bisogno di prendere corpo e anima dentro di noi; vanno poi cresciuti, educati fino a che si rendono autonomi e altro da noi”. Grande spazio e importanza emotiva tra le pubblicazioni trova «Ne Zaboravi Srebrenica» (2015) in cui oggetto è l’orrore della guerra in Bosnia, per non dimenticare, a cui ha fatto seguito la Mostra Non dimenticare Srebrenica. Un viaggio nella memoria violata di donne vittime di stupri, esposto in mostra presso Fondazione PescarAbruzzo (2015) e presso la Fondazione Benetton Treviso (2016). Spesso il racconto di Luciano D’Angelo esce fuori dagli stereotipi comuni sull’Abruzzo siloniano, soffermandosi su aspetti sinestetici che accomunano culture e mondi lontani attraverso la lente fotografica, come in “Zafferano/Zaafran” (2013) o “I Berberi del Marocco” (Mostra personale Trento Film Festival 2019).

Volti e facce dipinte nella luce circondati da un soffio misterioso, questo è il risultato finale dell’opera di Luciano D’Angelo suggestionato dall’uso del colore e dei chiaroscuri di Toni Belfatto nella dermopigmentazione come nel tatuaggio artistico: facce e volti che raccontano storie a cui come essere umani siamo profondamente e intimamente legati, istantanee di vita, di umane impressioni.

GhiaccioCuore

Penso di essere un artista con i piedi per terra e la testa nel mondo: per me è fondamentale non solo avere idee, ma avere anche il coraggio di realizzarle». Il percorso evolutivo e trasformativo di Alessio Palladino si muove dall’intenzione di cambiare all’atto della trasformazione, passando dall’idea raccolta nei viaggi dal centro del Mediterraneo al Grand Canyon, ispirata da paesaggi mozzafiato fatti di luci e colori che esaltano i suoi progetti realizzativi: trasformare è concetto chiave nella sua linea artistica, come dimostra la sua pagina instagram ART_COLOR: nulla nasce per caso, anche se il primo motore è stato la volontà di spezzare e uscire dalla routine lavorativa nel laboratorio di falegnameria e laccatura di famiglia. «Ho cominciato ad aiutare mio padre sin da piccolo e ho imparato molto presto a guadagnarmi la vita. Lavorando nell’ambito dell’arredamento e del restauro, ho con gli oggetti un rapporto estremamente creativo, per cui recupero e rimaneggio tutto ciò che è vecchio e che magari gli altri buttano via».
Così ART_COLOR reinventa oggetti di vario tipo come bidoni, estintori, birilli, tavole da snowboard, skates e tanto altro personalizzandoli in modo da conferirgli una valenza sia estetica che funzionale. Il salto stilistico Palladino lo compie brandomizzando i suoi oggetti.
Ogni oggetto diventa materia da ricostruire, ripensare, rimodellare e reinventare, secondo una poetica dell’inventio cioè ‘scoprirne’ una vita nuova in quanto opera nuova. Si punta molto sul colore col quale si intende valorizzare dettagli e particolari: allora l’oro accostato al nero, l’argento col rosso, il bianco nero, il bronzo, il rosa, l’arancione, tutto esaltato da un effetto laccato lucido che incornicia e fa da sfondo al logo scelto per quell’oggetto.
In quanto figlio di un falegname, Alessio Palladino rivendica, fosse solo per un tributo a papà Aldo, la assoluta predilezione per il legno, ma – come afferma lui stesso – «un artista creativo non smette mai di fare ricerca per cui sperimento costantemente nuovi materiali e nuove soluzioni». Così prove, fallimenti e successi sono le fasi necessarie per sviluppare competenze e capacità al meglio e per proporre opere di qualità, frutto di una ormai conseguita maturità artistica.
Toni Belfatto ha di fatto compiuto un’azione da talent scout in questo caso, notando una delle prime opere di Palladino presso lo studio di un noto fotografo. «Toni ha subito creduto nelle mie capacità artistiche, oltre che nella mia persona, per questo ha deciso di commissionarmi diverse opere per il suo studio Belfatto Lab di Casoli». Ma il percorso di Alessio Palladino si prospetta in esponenziale evoluzione, accompagnato com’è da spirito critico, impegno costante e dalla soddisfazione dei suoi clienti per il raggiungimento di risultati sempre più appaganti.
La passione con cui vive il suo lavoro si riflette nella pratica instancabile di “esperimenti in atto” nel suo laboratorio: ricorda con affetto e quasi tenerezza la sua prima scarpiera customizzata che ha permesso di lanciare ART_COLOR online, iniziando questa nuova avventura. Questo progetto con Toni Belfatto nasce dall’incontro di questi due passionari e appassionati per l’arte e per il bello; nasce dalla voglia di realizzare pezzi unici e significativi in un percorso che coinvolgerà il confronto con diversi artisti. Ed è l’occasione giusta per proporre finalmente in una collettiva la prima mostra ‘dal vivo’, perchè «grazie al talento e all’intuito di Toni Belfatto – sostiene Palladino – ho la possibilità di entrare a far parte di un mondo a me nuovo in cui posso esprimere al meglio tutte le mie idee».